NOTAS AL PROGRAMA
Ensemble Collage nos ofrece esta noche una propuesta sumamente interesante y singular que realiza un recorrido por la música de cámara contemporánea, desde un clásico del siglo XX como Alfred Schnittke hasta el estreno absoluto de sendas obras escritas por Pedro Guajardo y Frano Kakarigi. Se trata pues, de un programa con muchos nombres propios, cada uno con un particular lenguaje creativo.
Alfred Schnittke (1934-1998) es ya un clásico de la música contemporánea. Nacido en Rusia, desarrolló prácticamente toda su carrera en su país natal. Su proyección estuvo parcialmente restringida con anterioridad a la Perestroika; sin embargo, en las últimas décadas del siglo XX se descubrió como uno de los compositores soviéticos más experimentalistas en lo que al uso del lenguaje de vanguardia se refiere. Precisamente por este motivo tuvo en varias ocasiones problemas con el control político comunista, que llegó a prohibir el estreno y edición de algunas de sus obras. En sus últimos años se instaló en Hamburgo, donde enseñó composición y donde murió tras una década de delicada salud. Su obra es hoy un legado en el panorama musical ruso.
La creación de Hymns tuvo lugar entre 1974 y 1979. Este ciclo de cuatro himnos marcan el inicio de una nueva etapa creativa en la cronología de Schnittke, en la que paulatinamente va definiendo un nuevo lenguaje más homogéneo basado en el rigor estructural; aunque continúa utilizando la alusión a otras músicas, lo hace por medio de elementos internos de la música, abandonando la cita literal. Cada himno está escrito para una formación camerística diferente. El Hymnus II Schnittke juega con la dialéctica que ofrece el uso de dos instrumentos graves como el violonchelo y el contrabajo, dentro de un juego motívico rico en alusiones al evocador carácter recitativo de la composición.
Franco Donatoni (1927-2000) ha sido uno de los compositores italianos que más ha trabajado en la definición de la orquesta contemporánea a través de su caleidoscópica producción. Inició su formación como violinista en su Verona natal. Tras la Segunda Guerra Mundial completó estudios en Bolonia y en Roma con Pizzetti y Petrassi. Compañero generacional de Bruno Maderna, Franco Donatoni es hijo del Darmstadt de los años cincuenta. Desde entonces su música buscó ser coherente con la dialéctica contemporánea, centrándose en las perspectivas estructurales que se derivan de la diversidad instrumental, desde los instrumentos solistas o los pequeños grupos de cámara hasta las más diversas y amplias combinaciones orquestales.
Escrita en 1979, Marchas para arpa sola es una muestra de cómo Donatoni decide experimentar en la composición para un instrumento solo, que le permite al mismo tiempo explorar paso a paso las posibilidades expresivas de la paleta tímbrica orquestal y crear un corpus musical específico para diferentes solistas. En este periodo compuso varias obras para instrumento solista en dos movimientos, que pueden funcionar en solitario o bien combinarse con otras piezas para formar un trío. Tal es el caso de Marchas para arpa, que combinada con Nidi para piccolo (1977) y Clair para clarinete (1980) configuran el trío Small (1981).
Pedro Guajardo* es uno de los compositores españoles de última generación que más prometedora carrera parece tener. Formado en los principales foros Europeos, completó sus estudios de composición y dirección en Estados Unidos. De este autor se interpretan hoy dos obras. En primer lugar, XYZ-Kakarigiana tendrá hoy su estreno mundial en las manos de Frano Kakarigi, dedicatario de la partitura. Está escrita para meta-contrabajo solo (contrabajo ?preparado? y electrónica en vivo). El propio Guajardo nos comenta la génesis de la obra: ?Originada en 2005/06 y tras un prolongado letargo, aquí se actualiza y revisa con nuevas ideas. Está dedicada a Frano Kakarigi, a quien conocí originalmente por ser maestro de nuestro hijo Atlante. XYZ hace referencia a las 3 dimensiones espaciales, que en este caso mediante un dispositivo electrónico óptico similar al theremin, permite al solista controlar en vivo y por sí mismo el grado de procesamiento generado por el propio contrabajo, convirtiendo a éste en un meta-instrumento?.
La segunda obra de Guajardo, LorCrumb-Jitanjáfora, está escrita para voz y conjunto de cámara. Según el propio autor, ?En esta obra se hace referencia a Federico García Lorca, al compositor norteamericano George Crumb y al recurso estilístico consistente en el uso de palabras, onomatopeyas, etc., carentes de significado pero de gran poder evocador. Fue compuesta en 2006 por encargo del quinteto ?En la Luna?, rodando por Andalucía con el Circuito Andaluz de Música. Se utiliza el espacio escénico como lugar para desarrollar un ritual mágico que conecta con el inicio ancestral de la música?. La obra está dedicada al padre del compositor, el pintor Guajardo.
Iluminada Pérez Frutos es otra de las figuras de la composición española que mayor proyección están teniendo en la última década. Actualmente es profesora del Conservatorio Superior Victoria Eugenia de Granada. Su obra Alquimia ha sido estrenada en Madrid, en el Centro Cultural Salmerón, hace tan sólo un mes, siendo la de hoy una de sus primeras ejecuciones públicas. Escrita para flauta en Sol y marimba, está inspirada en el villancico anónimo Quien con veros pena y muere del Cancionero de Elvas, manuscrito portugués del siglo XVI con música y poemas de la época renacentista. Dicho manuscrito es una de las fuentes más importantes de música profana en la Península Ibérica, que contiene obras en portugués y castellano. En palabras de la propia compositora, Alquimia se define como una transmutación maravillosa e increíble. Por tal motivo, el planteamiento sonoro de la obra consiste en la transformación del sonido con diferentes grados de luminosidad, ataques, alturas, timbres. Los materiales, extraídos del mencionado villancico, se transforman a lo largo de la pieza en sonoridades complejas. La primera sección, en forma de oscilaciones de viento, confluye en la cita del villancico, la cual representa un homenaje a la tradición renacentista. La cita inspira un ambiente de solemnidad sublime, tranquila, con un tiempo prudencial para la reflexión en el que el tiempo transcurre sin ser fraccionado. La siguiente sección es una trama en movimiento muy rápido, de la que emergen estructuras melódicas y rítmicas generadas por la repetición más o menos regular, de bucles creados a partir de una célula germen, que aparece al comienzo de la obra. Todo este entramado concluye en un pasaje de sonidos pedales que late sobre un pulso profundo, para ir desapareciendo hasta llegar al umbral del silencio.
Kaija Saariaho es una de las compositoras finlandesas más renombradas del momento en Europa. Estudió composición en la Academia Sibelius con Paavo Heininen; completó estudios con Brian Ferneyhough y Klaus Huber. Ha trabajado en los campos de la música electroacústica, música minimalista y música concreta. Afincada en Francia, en las últimas dos décadas ha extendido su lenguaje con la incorporación de las nuevas tecnologías a su lenguaje compositivo, labor por la que ha sido galardonada con premios tan prestigiosos como el Ars Electronica. Su producción camerística se caracteriza por un lenguaje moderno, aunque no particularmente disonante, que ha adquirido últimamente gran popularidad. En este sentido, le gusta experimentar con la manipulación de los instrumentos, tanto en un sentido tradicional como en otras formas menos ortodoxas. El uso y ?abuso? de las técnicas interpretativas puede observarse en Mirrors para flauta y violonchelo, pieza compuesta en 1993 en la que enfrenta dos timbres aparentemente lejanos que, sin embargo, encuentran en la interpretación de esta partitura lugares comunes a través de un juego de imitaciones en espejo, de donde deriva su nombre.
El concierto se cierra con la obra Cuatro Sonoridades del contrabajista y compositor Frano Kakarigi*. Miembro de la Orquesta Ciudad de Granada, Kakarigi ha desarrollado una intensa labor de difusión del repertorio para contrabajo solista, destacando sus trabajos sobre el compositor finlandés Teppo Hauta-Aho. Las Cuatro sonoridades fueron escritas en agosto de 2008. Su composición está inspirada por los poemas del libro Briznas del poeta granadino Juan Carlos Friebe. En estas cuatro inclusiones musicales a la poesía de Friebe se han seleccionado los poemas ?Luz?, ?Faro?, ?Cancioncilla de Juguete? y ?Lázaro de nuevo?; en palabras del compositor ?estos cuatro poemas me parecieron música hablada, invitándome así a proporcionarle música sonora?. La mezzo Anni Raunio pondrá voz a estas cuatro evocaciones sonoras que servirán como broche de oro a este programa.
* Agradezco a Pedro Guajardo y a Frano Kakarigi el que me hayan proporcionado su testimonio para elaborar la información relativa a las obras de estreno del presente programa.
Gonzalo Roldán Herencia
